La campana de los perdidos no parece ser el sitio más indicado para la potencia que esta chica bajita, delgada y rubia trae consigo en cada concierto; sin embargo, es el lugar más acogedor para un concierto íntimo. Entras, coges una silla plegable –rota, seguramente– y la colocas donde buenamente puedas. No hay orden alguno, ni sitio, porque una hora antes del concierto ya se han armado los círculos de amigos que esperan en tertulia a la aparición de Zahara. De esa tertulia forma parte la cantante, que toca sus canciones según le apetecen y sin seguir un orden; además, es a lo que obliga el espacio: el escenario, una tabla de dos por dos sobre cajas de cerveza, no permite más objetos que un taburete y una guitarra, así que el resultado solo podía ser un acústico. Música medieval, armarios llenos de carcoma, arcos de piedra… Todo ello en un sótano húmedo que agradece la ley antitabaco, con luces de navidad que siembran de estrellas el techo, y con un ambiente en el que se mezclan jubilados con treintañeros y, los menos, jóvenes. ¿La ventaja? Que pongas donde pongas tu silla o tus piernas, se ve perfectamente el escenario.

Al empezar el concierto, Zahara hablaba de La campana de los perdidos como un sitio mítico por las luces en el techo y los brujos acechando en cada esquina que siempre despierta su inspiración. Es miembro de la Sociedad con Acento, en la que practica el arte de la oratoria, y se nota su facilidad de hablar en público porque todos los asistentes se ríen a gusto con sus chascarrillos de acento andaluz. El público variopinto agradece la invitación a la sonrisa también en sus canciones. Sea cual sea la historia de cada tema, en el directo pasan a un segundo lugar por la fuerza de la voz de Zahara, pero no dejan de tener una gran riqueza.

Zahara no es una artista especialmente conocida entre la juventud –como otros muchos grupos de indie­­­–, a pesar de que fue la chica del verano de 2009. Su canción “Merezco” fue elegida como sintonía de la vuelta ciclista a España, lo que le dio un merecido empujón mediático. Pero de eso ha llovido mucho; atrás quedan los pasteles y gominolas de su anterior trabajo, “La fabulosa historia de…”. Se fue la Zahara morena que solo escribía canciones sobre chicos fabulosos de los que estaba enamorada. Como ella dijo en La campana de los perdidos, eran canciones hechas para que las cantara Paulina Rubio, por eso cogió la costumbre de ponerse una peluca rubia en sus conciertos, hasta que al final vio que era más cómodo teñirse. Paulina Rubio no captó la indirecta, y el pelo rubio transformó a Zahara en una cantante más enérgica mientras sus temas iban endureciéndose y haciéndose más oscuros. Todo al revés.

“Qué disco más triste, parece que me pasa algo”, contaba Zahara que pensó cuando vio la lista de temas de su último trabajo. “Para disimular, voy a copiar alguna canción más feliz”, proseguía la cantante con su historieta antes de ofrecernos una original versión de “You’re the one that I want”, de Grease. Pero lo cierto es que “La pareja tóxica” es un disco muy personal en el que las canciones muestran a una Zahara madura que en más de una ocasión se refiere a sus enemigos con letras como “pedirán perdón los que crean que merecen absolución”. La cantante habla de este disco como respuesta a un año y medio que no ha sido fácil para nadie.

Pero no consigue engañarnos, aunque se cambie de look y parezca otra, aunque sus canciones contengan odio y tristeza… la voz de Zahara es dulce y melodiosa. O al menos es lo que La campana de los perdidos hace de ella en un concierto íntimo, una conversación entre Zahara, su guitarra y el público. Las canciones, cortas pero intensas, inundan el sótano de La campana de los perdidos, ese sótano en el que parece no pasar el tiempo porque es lo que sucede cuando se disfruta de buena música. El público, encantado durante todo el concierto, se va a casa enamorado de una artista que nos ofrece de postre una copla a cappella sobre los Ojos verdes, verdes como la albahaca.

“Te voy a controlar, voy a ver cuántos días vienes a la escuela a ensayar”, le dice a una alumna la exigente Blanca Resano, profesora de Interpretación de la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza. La nodriza de Julieta hace reír a los presentes con una anécdota, pero a Blanca no le convence: “Que no se convierta en un “me sé el texto”, cuéntamelo de verdad”.

Los estudiantes de primer año de la Escuela Municipal de Teatro se preparan para ser actores, pero para ello tendrán que superar una difícil prueba: interpretar casi a la perfección un monólogo de Shakespeare. Ofelia, Romeo, Yago, Lady Macbeth, Otelo… una pasarela de personajes cómicos y trágicos se darán a conocer ante los profesores los días 12 y 13 de junio, con el objetivo de pasar a segundo curso.

“Mi mayor interés es que descubran si es cierto que quieren dedicarse a esto”, dice Blanca Resano sobre los objetivos del primer curso de la escuela. Esta profesora ha trabajado en casi todas las compañías de teatro de Zaragoza, y ahora compagina su faceta de actriz con la de educadora de futuros actores y actrices: “Consiste en hacer el esfuerzo de pulir, de ir limando. Ser artista implica mucho estudio y entrenamiento personal; somos una mezcla entre cirujanos y futbolistas”.

Los estudios de la Escuela de Teatro duran tres cursos, pero la entrada es lo más duro porque se trata de una forma de aprender diferente a todo lo anterior.  Evelia Sancho, una alumna, habla de este primer curso como una “descomposición de uno mismo para encontrar otras cosas diferentes. Consiste en arriesgarse, perder el miedo e ir quitándose de encima las vergüenzas”. Se acaba una etapa en la que los alumnos han entrado en contacto con lo que supone el mundo del teatro. Pero antes de ello está Shakespeare. Blanca Resano explicaba el porqué de un monólogo tan arriesgado: “Es tan difícil ser transmisores de emoción sobre un escenario, que trabajando a Shakespeare les pongo a los muchachos el listón alto”. Tan alto, que a los alumnos de Interpretación les llueven las críticas cada vez que se ponen a actuar ante Blanca.

“Yo no viviría más que para el monólogo”, les dice la profesora a unos alumnos que no parecen estar ensayando lo suficiente de cara a este examen. Aunque los alumnos más optimistas afirman estar ya en condiciones de representar su papel delante de los profesores, como  es el caso de Juan Turmo: “Blanca me dirá que no, pero yo me veo con ganas. Llevo muchas tardes viniendo a ensayar; cuando puedo, porque también estoy en la Universidad.”

Juan Turmo, además de estudiar Filología inglesa, interpreta en sus ratos libres a Verón, de “Trabajos de amor perdidos”, que es el eterno amante enamoradizo que siempre está fuera de lugar. “Probé muchos papeles, pero me encuentro muy cómodo con este papel porque soy yo”, decía el alumno hablando de sus técnicas de interpretación. Por su parte, Danae De Vries interpreta a Desdémona, la mujer de Otelo. “Aún no sé cómo estoy afrontándolo. Me he informado sobre el maltrato de la mujer pero es difícil meterse en eso”, y es que Otelo acabará asesinando a Desdémona porque piensa que le engaña con uno de sus guerreros.

Este monólogo es la primera audición que tienen que superar los alumnos. “Deben estar a solas con el escenario para que lo consigan llenar con su interpretación. Es una prueba que determina su avance, y pasar a segundo”, dice Blanca Resano. Del segundo curso, los alumnos esperan aprender más y seguir progresando. Evelia Sancho confiesa: “A mí me gustaría perder mi parte intelectual y conseguir que mi cuerpo pese más que mi cabeza”.

¿Y después? Todos esperan tener suerte y poder trabajar, pero los alumnos son conscientes de que el teatro no atraviesa un buen momento. Por eso hay quien amplía sus perspectivas, como Juan Turmo: “Me gustaría ejercer de actor, pero si puedo en el Reino Unido, mejor”. Aunque también hay quien continuará formándose en otras escuelas como la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático), dado que las enseñanzas impartidas en la Escuela Municipal de Zaragoza no son oficiales.

José Giménez Aznar fundó en 1969 la  Escuela Municipal de Arte Dramático de Zaragoza, cuando las clases tenían lugar en unos pequeños locales del viejo edificio del Teatro Principal porque el presupuesto era muy bajo. La escuela fue evolucionando, pero lleva más de 20 años pidiendo la oficialidad de unos estudios muy similares a los del Grado de Arte Dramático.“Una escuela de teatro como la de Zaragoza debería estar homologada y reconocida por el Ministerio de Educación. El 90% de los profesionales de Aragón nos hemos formado en ella desde hace más de 30 años y va siendo hora de que esto cambie”, dice al respecto la profesora Blanca Resano.

Los alumnos de la Escuela Municipal de Teatro están contentos con el nivel que reciben. Aseguran que la formación es muy profesional y el grado de exigencia, alto. Pero ahora la pelota está en su tejado y son ellos los que tendrán que demostrar en junio cuánto han aprendido, y si comprenden que, como dice Blanca, “esta profesión es un amante sin el que no puedes estar y que sin embargo te da muy mala vida”.

Cuando hablamos de Andy Warhol, pensamos en la lata de sopa, en Marilyn o en imágenes repetidas de muchos colores. Si conocemos un poco de su vida, podemos pensar en que su obsesión con la fama era igual a la que tenía con su nariz, en que fue víctima de un atentado, o en que a pesar de lo mucho que fantaseaba con la muerte, falleció tras una sencilla operación de vesícula. Andy Warhol es conocido por todos. Es uno de esos artistas a los que puedes admirar, o puedes odiar; pero para bien o para mal, todo el mundo asocia sus imágenes al sello Warhol.

Cineasta, fotógrafo, pintor, ilustrador, productor musical, escritor e incluso modelo, Andy Warhol, además de un personaje peculiar, fue un artista completo. Esa, la faceta como artista, es la que se quiso mostrar al público zaragozano cuando la Obra social de Ibercaja comenzó el diálogo con el Museo de Pittsburg para traer al Patio de la infanta la exposición “Portraits”. “La faceta de personaje la tenemos muy sabida porque él creó un personaje y lo comercializó con todas las de la ley. La tarea pendiente que teníamos era rescatar la verdad de Warhol como artista. Y realmente sí que queda muy bien reflejado en la exposición, porque al ver la evolución en su formación y en su obra, estamos viendo realmente el trabajo de creación”, explica Magdalena Lasala, responsable del Programa de Educación y Cultura de la Ibercaja.

“Hacer dinero es arte, el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte” (La filosofía de Andy Warhol). Andy Warhol marcó un antes y un después en el arte contemporáneo: “Es el gran transformador de conceptos del siglo XX, después de Picasso, porque no solo transforma las tendencias, sino los sino los conceptos de publicidad, de estética, de arte… e incluye elementos que nunca se habían planteado como artísticos”, dice Magdalena Lasala.

Alrededor de 70.000 visitantes, casi mil niños y familias han pasado por los talleres, y más de 4.000 adultos han participado en visitas guiadas. “Estamos muy contentos porque la apuesta era arriesgada pero ha merecido la pena”, dice Magdalena Lasala. “Andy Warhol: Portraits” es una exposición formada por 99 piezas que está valorada en 15 millones de euros. La realización de esta muestra costó más de un año de diálogos con el Andy Warhol Museum (Pittsburg), perteneciente a la Andy Warhol Foundation.

 “La negociación con ellos fue lenta porque la Fundación es muy celosa guardadora de ese patrimonio. Ibercaja jugó la baza de la confianza, porque si Ibercaja posee una colección de Goyas tan importante y es capaz de conservarla; la Fundación entendió que Ibercaja estaba a la altura de mostrar, valorar y conservar adecuadamente un legado Warhol”.

“Es que yo no sé qué es esto del cómic… ¿entramos?, ¿lo vemos? Esto será algo raro…”.

Frente a Warhol, nada más dejar a nuestras espaldas los dos retratos de Truman Capote –con el que tuvo una gran amistad–, una exposición muy diferente. “Tres autores de cómic” mostraba las historietas de tres destacados dibujantes de Aragón: Carlos Bribián, José Antonio Ávila y Víctor Romano.

Pero, ¿existe alguna relación entre ambos tipos de arte? Según Magdalena Lasala, “el hacer coincidir una exposición del cómic con la de Andy Warhol fue buscado, fue a idea porque nos parecía que era poner en comunicación dos momentos históricos que tenían mucho que ver como vanguardias, como apuesta, como ese punto de provocación, y como ese punto de conexión con la sociedad contemporánea”.

“Hablamos del pop, de la cultura de masas. El cómic es un medio ideal para llegar al gran público y Warhol quiso que su arte llegara a todo el mundo a través de los objetos cotidianos que pintaba”, opina Juan Royo, economista especializado en Responsabilidad Social Corporativa, profesor de la Universidad de Zaragoza y crítico de cómic.

Carlos Bribián, dibujante de cómics desde los diez años, contaba cómo la exposición “Tres autores de cómic” había dado a conocer su trabajo: “Hubo mucha gente que desconocía por completo el mundo del cómic, y venía principalmente a ver Warhol. Luego se pasaba a ver la exposición de cómic y entraban con un poco de reticencia: “Es que yo no sé qué es esto del cómic… ¿entramos, lo vemos? Esto será algo raro…”.

Snoopy, Hello Kitty, Batman, Betty Boop, Astérix y Obélix, Dragón Ball, Spiderman… Todos ellos son cómics. Sus marcas se han popularizado y están muy presentes en nuestras vidas; pero, paradójicamente, el cómic es un gran desconocido. En Aragón hay una gran cantera de dibujantes de cómic “en cantidad y en calidad”, dice Carlos Bribián. “Este es un trabajo muy solitario y cada uno va por su lado, pero con el tiempo nos dimos cuenta de que somos muchos los que nos dedicamos a esto”. Y lo corrobora Víctor Romano, otro de los tres autores de cómic: “en Zaragoza hay mucha gente, hay mucho movimiento pero se ve poco. Es lo que pasó con la revista Thermozero: nos dimos cuenta de que éramos un grupo y de que podíamos colaborar y trabajar en equipo”.

Juan Royo fue el comisario de la exposición “Tres autores de cómic”, y explica que “Aragón es referencia en España en esta industria”, entre otras cosas, porque los dibujantes aragoneses siempre son premiados y reconocidos en eventos nacionales como el Salón del Cómic de Barcelona. “Buscaban gente que hiciera cómic en Aragón y que además tuvieran algo en común. Y es verdad que Víctor, José y yo hemos publicado en varias revistas que han sido premios en diferentes partes de España. Claro, eso sirvió para que se dieran cuenta de que dentro de ese colectivo había gente que colaboraba y de que estábamos aquí, o sea, que nos premiaban fuera pero estábamos aquí”, contaba Carlos Bribián.

Para Víctor Romano, “fue una sorpresa que Juan Royo nos llamara para la exposición, y un lujo poder exponer en el Patio de la Infanta”. La afluencia de gente se acrecentó gracias al atractivo de exponer en la sala contigua a Andy Warhol, y Carlos Bribián daba el veredicto final: “La opinión cambió por completo al salir de la exposición. Te daban la enhorabuena porque a la gente le sorprendió realmente y enseguida fue algo con lo que se identificaban, les gustaba y lo valoraban. De hecho, lo valoraban bastante más que la exposición de Warhol”.

Tres retratos de cómic

El 22 de febrero se cumplían 25 años de la muerte de Andy Warhol. Para celebrarlo, ambas exposiciones se fusionaron con el concurso “Tres visiones de Warhol”: cada dibujante de cómic realizó su propia versión de un retrato, y los dibujos se sortearon entre los visitantes a la exposición “Andy Warhol: Portraits”.

Víctor Romano, al principio, quería retratar a la vaca, “pero me dijeron que mejor que eligiera a una persona y más o menos coincidimos: ellos querían a Truman Capote y era una de mis elecciones también”. Al dibujarlo, tuvo muy en cuenta el original, y solo cambió la técnica: “Como su dibujo parte de una serigrafía, yo lo hice a témpera. Tampoco lo quise diferenciar tanto porque pensé en la gente para la que iba a ser el dibujo, que iba a querer que se pareciera a Warhol”.

De forma parecida abordó el reto José Antonio Ávila: “Mi elección fue Prince porque es un personaje curioso, y con una estética muy marcada y potente (además, su canción Purple Rain me parece un gran tema). Realicé el retrato con acrílicos y tinta china, y creo que mezcla mi manera de hacer y mis materiales con una imagen de Warhol de la que partir”.

Por su parte, Carlos Bribián sí aportó algo diferente a Marilyn: “Intenté aplicarle algo del cómic. Así como mis compañeros se centraron más en hacer una ilustración, yo pensé que lo interesante era fusionar la idea de las dos exposiciones. Y mi manera de trabajar es esa, con onomatopeyas, con dibujos sueltos… porque a Warhol lo han dibujado muchos, y a Marilyn también, pero de esta manera en que trabajo yo, con el estilo del cómic, no”.

Víctor Romano, José Antonio Ávila y Carlos Bribián son tres artistas que aunque no se sienten muy influenciados por el Pop Art (se integran en otras corrientes como el cómic europeo, el manga y el anime), reconocen la obra de Andy Warhol. Lo explicaba Carlos Bribián: “No valoro tanto la calidad o el trabajo de sus obras, porque tampoco es muy relevante; pero sí que con muy poco consiguió tener un sello propio, que es de lo que se trata muchas veces. Ese “Soy Warhol, ves mi obra y me ves a mí”, es a lo que aspiramos todos”.

Al fin y al cabo, el cómic, la serigrafía, la pintura, la literatura, la fotografía… Todas son piezas de un mismo engranaje: el arte. “Aunque se rechace la pauta que le correspondía a Warhol, no nos podemos negar: Warhol aporta un cambio histórico a todo lo que lleva en torno a sí el concepto del arte, no te puedes quedar indiferente a la aportación de Warhol”, dijo Magalena Lasala, Responsable del Programa de Educación y Cultura de la Obra Social Ibercaja. “Nos pareció que ese juego de un artista inmortal, internacional como Warhol y artistas locales pero también internacionales y muy contemporáneos, iba a encajar muy bien”. Como las piezas de un puzle.

¿Qué fue antes, el pop o el cómic?

“Popular, transitorio, prescindible, de bajo coste, producido en masa, joven, ingenioso, sexy, rebuscado, glamuroso…”. Así describió el artista británico Richard Hamilton al movimiento que acababa de nacer a comienzos de los años cincuenta. El Pop Art se basa en la cultura popular estadounidense, adonde llegó a finales de la misma década; pero el cómic ya era un medio de expresión desde que en 1893 apareciera la historieta del “Yellow Kid” en el periódico “World” para conquistar a nuevos lectores.

Se abre el debate: “El cómic estaba antes que Warhol y lo está, obviamente, después”, dice José Antonio Ávila, “es seguro que Warhol se influenció del cómic para realizar su obra, ya que el Pop Art emplea imágenes de la cultura popular tomadas de publicidad, cómics y objetos cotidianos. El cómic es arte y cultura popular, y Warhol quiso elevar al arte el objeto popular y cotidiano”.

“Roy Lichtenstein dibujaba, precisamente, viñetas de cómic enormes: un detalle de un ojo, o una chica llamando por teléfono… Me pareció muy interesante que cogiera cualquier viñeta, la llevara a una exposición y dijera: “Esto es arte”. Esa forma de presentar el trabajo del cómic me parece diferente y muy interesante”, opina Carlos Bribián. A lo que Víctor Romano añade: “Es al contrario: no es la influencia de Warhol en el cómic, es la influencia del cómic en Warhol. Porque sin el cómic, no habría Warhol. Warhol está metido dentro del movimiento Pop Art, que chupa de la cultura popular. Y luego hay artistas como Warhol o Lichtenstein que cogen directamente viñetas de cómic y las hacen en grande. Warhol y el Pop Art son los que deben al cómic la mayor parte de su esencia”.

Empleó los dos años de paro que le correspondían en formarse. Y fue una buena inversión,   porque desde que salió de la escuela no ha parado de trabajar.  Ahora tiene 40 años, y es uno de los rostros más conocidos de la televisión aragonesa.

-¿Qué proyectos tienes ahora?

Ahora mismo, Marisol Aznar y yo estamos preparando un montaje de teatro que se llama Tiempos modorros. Yo soy un experto en economía noruego que va a dar una charla sobre la crisis, pero hay una señora entre el público que es Marisol, que no le deja en paz.

-¿Y qué tal se te da el acento noruego?

De maravilla. [Risas] Pero está traducido todo. El público llevará un pinganillo ficticio con el que se le traducirá la charla.

-¿Pero la gente pensará que va a una charla de economía?

No creo, si se llama Tiempos modorros… Pero lo que podemos hacer es poner una raya en las “os” de modorros para que suene más noruego.

-¿Y esa obra luego por dónde se moverá?

Teatros, bares, locales… Donde se pueda. Lo hemos hecho en un formato pequeño para que se pueda vender en cualquier lado porque solo en los teatros es complicado.

-¿Qué se hace ante esta situación de crisis?

El único remedio es seguir, inventar cosas y pensar. Imaginación y para adelante.  Tenemos otro proyecto con compañeros del Oregón que se llama “Pa ti de propio”,  y si por ejemplo es el aniversario de bodas de tus padres o el cumpleaños de un amigo, nosotros preparamos unos sketch con los personajes del Oregón en los que hablamos de su vida, les felicitamos… Y luego está el Oregón, que ahí sí que hay curro de momento, vamos por la 6ª temporada y subiendo audiencia.

-¿Cómo funciona la grabación de Oregón Televisión?

Grabamos  4 programas en una semana, y descansamos otra. O sea, 8 al mes. El resto del tiempo hay que escribir los guiones y a preparar el rodaje.

-¿Cómo se escribe un guión?

Yo aprendí “a puro huevo”. Porque empecé a escribirlos para los sketches de Que viene el lobo con Marisol Aznar. Básicamente es echarle imaginación y empezar a escribir. Luego ya con el tiempo te lees libros y aprendes trucos para escribir guiones, pero en plan autodidacta, a base de ir a la FNAC y comprar un libro de “Cómo escribir un guión”.

-¿Cómo se hace para tener siempre el sentido del humor inyectado en vena? ¿No tienes tus días flojos?

Los tengo pero aún con todo siempre intento conservar el sentido del humor, me viene de naturaleza. Soy muy payaso y no me resulta complicado. A mí lo que me resulta complicado es ponerme serio, a pesar de que soy muy tímido, como casi todos los actores. Siempre estoy dando la nota.

-¿Qué experiencias “serias” has tenido en el teatro?

En “Teatro Che y Moche” hicimos Otelo, en cortos he hecho Habla con Pedro Ruiz Izquierdo sobre el maltrato de género…  He hecho cosas, incluso me gustaría hacer más cosas de ese tipo. Lo que pasa es que en esta profesión, cuando destacas en una cosa, tienden a llamarte solo para eso. Pero como generalmente los proyectos los hago yo o con mis compañeros, es muy complicado que a nosotros nos salga algo serio, tendemos a la payasada, que es lo que mejor se nos da y como más rápido avanzamos…

-¿No te da miedo que te encasillen?

En el fondo con que me llamen me da igual para lo que sea, pero me considero un cómico en el sentido antiguo de la palabra, de los cómicos de la lengua, entonces no me molesta.

-¿Qué querías ser de mayor?

Yo quería ser actor. Siempre me gustaron mucho los superhéroes como Mazinger Z o Comando G y en mi casa ya los imitaba. Además, tenía la costumbre de ver con mi padre el Estudio 1 y también me gustaba mucho.

-¿Con cuántos años?

Con 8 años, veíamos La rosa de los vientos y lo disfrutaba un montón. Además, mi padre era actor aficionado, así que supongo que de ahí me vienen los genes…

-¿Nunca te has planteado salir de Aragón?

No, porque como siempre he tenido trabajo por aquí, pues para qué me voy a ir… Además, como empecé tan tarde en esto… Claro, si hubiese sido un chaval de 20 años seguramente me hubiese ido a buscarme la vida a Madrid, –porque si te vas, te vas a Madrid, no te vas a ir a Cuenca– pero con 27 años ya… Además en Madrid la mayoría de los camareros son actores; levantas una piedra y te sale un actor.

-¿Cómo es un día en la vida de Jorge Asín?

Cuando tengo grabación me levanto a las 8 para ir al plató, pero cuando no, me levanto a las 7 y me pongo a escribir guiones hasta la hora de comer.

-O sea, que ahora tendrías que estar escribiendo…

Sí, pero voy bien. Después por la tarde siempre me reúno con los compañeros o para hablar de los proyectos que tenemos en marcha o para ensayar…

-¿Qué diferencias hay entre tus dos escenarios: teatro y televisión?

El teatro te da el calor del público. En televisión se pueden hacer diferentes gestos que aunque sean pequeños se notan, o jugar con la voz. Pero en el teatro hay que estar preocupado por proyectar y los gestos tienen que ser más amplios. Además, con la televisión llegas a más gente, en un programa del Oregón nos ven más de 20.000 espectadores, ¿cuántos teatros Principales tendrías que llenar para llegar a tanta gente?

-¿Alguna vez has tenido problemas en directo?

Errores, muchos; y alguna vez me he quedado en blanco. Una vez en Que viene el lobo tenía que hacer un sketch con Marisol Aznar y yo iba disfrazado de oso con un montón de pelo y con polvos de talco para que pareciese más blanco. De estar en esa situación tan cómica nos entró la risa a los dos y no podíamos seguir; todo esto en directo.

-¿Cuánto rato estuvisteis riéndoos?

Dos o tres minutos tranquilamente…

-¿Y qué se hace en esos casos?

La verdad es que yo lo pasé fatal. Me estaba riendo muy a gusto pero a la vez pensaba que tenía que parar porque estábamos en directo. En ese caso el público nos acompañó porque se contagiaba la risa, pero si te equivocas e improvisas también hace falta que el público te acompañe.

-¿Alguna vez has tenido un público malo?

No, los públicos siempre son buenos. Si acaso alguna vez en los bares cuando haces un monólogo, los que van un poco borrachos se pasan y quieren ser los más graciosos. Por eso hay monologuistas que creen que habría que cobrar entrada.

-Hablando de monólogos, ¿cuántos años hace que fundaste “Monólogos por la beneficencia”?

Arrancamos en el 2001 más o menos… ¡así que más de 10 años!

-¿En qué consiste?

Somos un grupo de humoristas que vamos rotando por 12 bares de Zaragoza. Empezamos antes incluso que los de la Paramount, porque en Estados Unidos ha sido muy típico siempre y seguimos su modelo. De aquí han salido promesas como Diego Peña que ya ha estado en Paramount Comedy. Además, cada dos domingos estamos en el Juan Sebastián Bar con el Club Desastre haciendo improvisaciones, que es muy divertido.

-¿No se tiene nada preparado para las improvisaciones?

Siempre hay trucos que uno sabe que puede emplear para llevar la improvisación. Y siempre tiene que ser con la colaboración del público porque si no colabora, no hay por dónde seguir…

-¿Crees que hay buena cantera en el humor aragonés?

Sí, además hay guionistas y directores como Nacho Velilla… pero es que creo que ahora hay mucha cantera en general.

-¿Y a qué se debe este boom del humor?

A la crisis; cuanto peor van las cosas, más necesidad hay de reírse.

-¿Es el humor cosa de hombres? Lo digo porque en los monólogos siempre hay muchos más hombres que mujeres…

No, para nada. Hay más actrices que actores y las mujeres también son muy buenas, pero supongo que a lo mejor por el ambiente de los monólogos, que a veces son en bares (con el típico borrachillo que te decía…), las mujeres prefieren otras cosas.

-¿Cómo se hace un monólogo?

Los monólogos siempre los escribimos nosotros mismos, los ensayamos y luego nos reunimos unos cuantos y lo vemos con el autor. Entonces damos nuestra opinión para que lo cambie o quite alguna cosa.

-¿Y los días que no estás inspirado?

Me voy al bar. [Risas] No, en serio, me voy al bar, me doy una vuelta, en el autobús… Y de escuchar a la gente hablar y contarse cosas, salen un montón de temas de la vida real.

-¿Qué esperas de los próximos años?

“Virgencica del pilar que me quede como estoy”, que no falte el trabajo que con eso me conformo, y a seguir adelante…

Con el grito de Brenda ‘Brinzo’ Mholongo, la actriz que con su potente voz da vida a la mona Rafiki, entramos en un estado de tensión que mantiene nuestros sentidos alerta. El Rey León, igual que en la película, empieza con la presentación del recién nacido simba a la sabana africana. Jirafas, leopardos, cebras, elefantes, antílopes y todo tipo de pájaros dan la bienvenida al cachorro que será, algún día, el rey de la selva.

Es esta primera escena la que te hace sumirte, desde el principio, en un estado de catarsis provocado por  la espectacularidad de los animales, las luces, los movimientos de los actores, y sobre todo las voces sobre esa música que te recorre todo el cuerpo. A partir de aquí, quedas absolutamente sumido en la historia, impresionado, emocionado. Es esa catarsis tan profunda que pueden entrarte ganas de llorar. Se trata sin duda de una conjunción única. El resto de la historia es similar a la película, aunque por supuesto, muy diferente en la ejecución.

Julie Taymor es la directora de semejante espectáculo. Ella fue la artífice y creadora de las ideas tan dispares como la utilización de marionetas y la unión de la música de Elton John y La Bohème. Además, adapta cada detalle del espectáculo al público. En este caso, al público del Teatro Lope de Vega lo sorprendió con detalles como el graciosísimo Timón vestido con una bata de cola.

Aunque todo el conjunto de actores era sublime, hay que destacar nombres como Esteban Oliver (ZAZÚ), Sergi Albert (SCAR) y David Ávila (TIMÓN), el andaluz que más salero ponía al show. Y también destacaría la música en directo de los dos percusionistas que situados en lo alto del teatro, no dejaban descansar a sus baquetas ni instrumentos.

Un espectáculo para todos los sentidos y todas las edades, que hace disfrutar y emocionarte desde el primer momento. El precio es alto, pero se corresponde con la calidad de lo que se muestra en el escenario: un trabajo muy cuidado que asombra a cada espectador.

Zaragoza es tierra de buen beber y comer. Eso se traduce en una amplia variedad de establecimientos que ofrecen estos servicios. En Zaragoza destaca El Tubo por excelencia. Un conjunto de estrechísimas calles en las que se agolpan docenas de bares donde las tapas, el vino y la cerveza son la especialidad.

Algunos de ellos, además,tienen historia…

MARPY

MARPY

La Cervecería MARPY (fotos de arriba y a la derecha) es una taberna taurina que está emplazado en la   Plaza Santa Marta desde 1986.   Aunque no tiene tantos años a la espalda como otros que veremos, por él han pasado grandes figuras del toreo, que inundan las paredes de un pequeño, colorido e hiper-decorado bar.

Dominó

Justo enfrente del anterior está el Bar DOMINÓ. Desde 1985, los clientes entran en una atmósfera mareante por la mezcla del fuerte olor a queso, y los colores blanco y negro en todos los rincones.

El GRAN CAFÉ DE ZARAGOZA es uno de los más bonitos de la ciudad. En plena Calle Alfonso, sus  rincones permiten respirar historia mientras se toma un café acompañado por alguna de las tartas caseras que se preparan.

Gran Café de Zaragoza

El local fue hasta 1998  la famosa Joyería Aladrén, diseñada por el arquitecto Luis Aladrén en 1885, como tienda de lujo para la  creciente burguesía. Sus tres salas albergan una decoración neobarroca con columnas y techos acasetonados. Sigue el estilo ecléctico e historicista propio de finales del siglo XIX.

Está catalogado como Bien de Interés Cultural.

La Republicana

LA REPUBLICANA es un local de la calle Méndez Núñez (en el Tubo) que lleva casi treinta años sirviendo cafés, comidas y raciones.

Se inauguró en 1983 como Café Recuerdos, un local de conversación y café que poco a poco se fue convirtiendo en una casa de comidas.  Por eso en 1997 fue bautizado  con su actual nombre.

La Republicana recuerda a las antiguas casas de colmado, con una decoración que le da aspecto de anticuario. Las mesas están cubiertas por manteles de cuadros y ganchillos, y devuelve al cliente a un  tiempo en que las sobremesas eran largas.

Café de Levante

El CAFÉ DE LEVANTE fue fundado por Agustín Charles en 1895 en la Puerta del Carmen, cuando todavía era usada como vía de acceso a la ciudad.

De 1927 a 1876 estuvo emplazado en el Paseo Pamplona. Pero desde entonces, y hasta hoy, El Café de Levante continuó siendo lugar de reunión de  zaragozanos ilustres y corrientes en la Calle Almagro.  Siempre ha sido una empresa familiar que ahora está regentada por Óscar Blázquez, la cuarta generación desde que fuese fundada hace  casi 120 años.

Es la cafetería más antigua de Zaragoza.

El cabaret llega a Zaragoza con Francachela Teatro, pero no solo se trata de música y baile… no, en Menú DegustoAcción, la obra de teatro que estará hasta el domingo en el Centro Cívico Universidad, se unen el erotismo y la gastronomía.

Peter toca el piano mientras las cuatro actrices encorsetadas hacen de cabareteras y de camareras a la vez. Tan pronto nos seducen con una canción como nos traen uno de los suculentos manjares que se prepara en la cocina de Francachela Teatro. Eso sí, de la huerta valenciana.

El humor es la pieza clave para tan arriesgada unión. Las risas están aseguradas durante todo el espectáculo, gracias al atrevimiento y el ingenio de unas actrices muy picaronas.
Además, en Menú DegustoAcción no solo hablan los actores. El verdadero protagonista es el público, que va decidiendo cómo transcurre la obra de teatro, sin dejar de sorprenderse.

En definitiva, un cabaret que combina el erotismo con la música, el baile y la comida. Todo junto. Porque como decía Liza Minelli… la vida es un cabaret.

]]> http://beaaranda.zaragozame.com/2012/01/13/cabaret-con-degustoaccion/feed/ 1 http://beaaranda.zaragozame.com/2012/01/02/sonando-con-el-cascanueces/ http://beaaranda.zaragozame.com/2012/01/02/sonando-con-el-cascanueces/#comments Mon, 02 Jan 2012 16:26:37 +0000 Bea Aranda http://beaaranda.zaragozame.com/?p=57 Sigue leyendo →]]> Con la resaca propia del año nuevo, pero con la misma ilusión que los niños de la cola del Palacio de Congresos estábamos mi abuela y yo esperando para entrar en un anfiteatro lleno de la magia de El Cascanueces, un ballet de cuento de hadas traído a Zaragoza por el Ballet del Teatro Nacional Ruso de Moscú.

 En el primer acto asistimos (con 6 días de retraso) a una fiesta de navidad en casa de Clara. Los niños esperan impacientes sus regalos, hasta que llega el señor Drosselmeyer, que es experto en juegos de magia. Todos juegan con arlequines y colombinas vivientes pero Clara no está contenta hasta que no recibe su regalo: un Cascanueces con forma de soldadito.

Por la noche, Clara sueña que el Cascanueces cobra vida y se enfrenta a un ejército de ratones malvados. Tras la victoria, el Cascanueces se convierte en príncipe y se lleva a Clara al País de los Dulces.

Se enciende la luz porque se acaba un primer acto que en algunos momentos se hace un poco lento, pero que ya te ha envuelto en el ensueño y te transporta al País de los Dulces, donde reina en Hada de Pan de Azúcar. Sin embargo, al apagarse la luz para dar paso al segundo acto… problemas: las luces no se encienden por fallos técnicos y las bailarinas por poco se caen en la oscuridad.

Tras unos minutos de incertidumbre por la espera al segundo acto, por fin suena la música y esta vez sí, podemos ver a los hermosos copos de nieve del País de los Dulces. Pero el rey de los ratones vuelve a interrumpir el mágico momento y de nuevo aparece el príncipe Cascanueces para combatirlo. Pero vuelve a ganarle, y el Hada de Pan de Azúcar prepara una gran fiesta para celebrarlo.

A la fiesta asisten españoles, árabes, chinos, rusos… que bailan sin fin y nos muestran sus danzas regionales. Pero sin duda hay dos momentos que marcan el ballet del Cascanueces y hacen emocionarnos y abrir mucho los ojos para no perder movimiento:

El vals de las flores…

…y la danza del Hada de Pan de Azúcar

La fiesta se acaba y Clara despierta en la mañana de navidad con su cascanueces entre los brazos. Todo había sido un sueño, pero tanto Clara como el público nos acordaremos siempre de aquél sueño tan real que nos tuvo enamorados del Cascanueces durante todo el ballet con más magia de cuento de hadas.

Mis amigas y yo bailamos jota desde que éramos pequeñas, además somos amantes de este baile y tenemos a Miguel Ángel Berna como un modelo a seguir. Su baile y sus espectáculos han sido siempre espectaculares, pero este último es el mejor que he visto. Bailando mi tierra es una recopilación de sus espectáculos, además de incluir muchas cosas nuevas y sorprendentes.

Es un espectáculo perfecto, desde la iluminación hasta su escenificación. Además, la música es espectacular porque tiene músicos muy buenos. En cuanto a las cantantes son dos mujeres que tienen una voz maravillosa y que transmite mucha fuerza. La compañía de bailarines es de lo mejor que puedes encontrar, destacan cada uno de ellos y muestran toda su experiencia y las muchas horas de ensayo que han invertido. La verdad es que no nos quedan palabras para describir la magnífica actuación del artista, solo podemos decir que es sin duda el mejor bailarín con el que te puedes encontrar, un hombre que cada vez te deja con más ganas de volver a verlo porque siempre te acaba sorprendiendo. En resumen, es uno de los mejores espectáculos que hemos podido ver y como siempre, hemos salido con una sensación de felicidad y con muchas ganas de ensayar para poder ser algún día un bailarín tan perfecto.

Las escenas que más nos gustaron fueron…

• La del dragón, es un poco oscura pero sorprendente, además tenemos el honor de verlo bailar junto a su mujer.
• Calanda, es de las pocas escenas en las que podemos apreciar en sí una jota y la baila junto a la directora del grupo de baile “Nobleza Baturra”. Es baile chocante porque coloca 3 espejos detrás de ellos y nos permiten ver cada uno de sus movimientos y sus caras de felicidad.
• La escena de los tambores y de los bombos de Albalate del Arzobispo nos integra en un ambiente de semana santa, además de llamar mucho nuestra atención.
• Hay una escena en la que participa un grupo de niños de la Escuela Municipal de Música y Danza del Ayuntamiento de Zaragoza, que nos sorprenden con un baile entre jota y danza contemporánea acompañados de Miguel Ángel.

En cuanto al vestuario, sorprende porque además de ser muy variado, recrea en algunos casos momentos históricos como las faldas de baturra que llevaban antiguamente o simplemente unos pantalones muy anchos que se mueven al ritmo del cuerpo dando una sensación de musicalidad.

Marina Joven Fernández

–Cuando naces, la vida es un folio en blanco y al principio te dejan escribir con lapicero, pero a los dieciocho años te quitan el lápiz y te dan un boli, y a escribir… Lo malo es cuando te equivocas y haces un tachón en tu folio. Ese tachón hace que se joda todo el folio.

–Pero también está el tipp-ex, que es blanco igual que el folio…

No pensaba acabar hablando de si en la vida somos algo por defecto o llegamos a serlo porque lo trabajamos. Yo siempre he estado segura de la segunda opción pero hoy me han dado buenos argumentos, aunque yo sigo en mis trece.